¿Cómo Influyó La Teoría Musical Del Siglo XIX En Las Ideas Sobre La Belleza y Las Artes Visuales?

El artista y teórico escocés David Ramsay Hay mostró cómo la música influyó en las teorías estéticas y perceptivas del siglo XIX al sostener que los principios que gobiernan la armonía musical también determinan los criterios de belleza en la arquitectura, el color, la geometría y la forma humana.

En 1888, el crítico de arte victoriano Walter Pater escribió que «todas las artes aspiran constantemente a la condición de la música». Décadas antes, entre 1828 y 1856, David Ramsay Hay había desarrollado una ambiciosa teoría de la belleza visual basada en los elementos fundamentales de la teoría musical, plasmada en una serie de quince libros. Anticipándose tanto a Pater como a los intentos finiseculares de unificar las artes mediante afinidades espirituales o sinestésicas, Hay relacionó colores, formas y ángulos con estructuras musicales familiares como el tono, las escalas y los acordes. Aunque estas ideas puedan parecer hoy extraordinarias, ofrecen una valiosa ventana para comprender la importancia excepcional que la música tuvo en la sensibilidad victoriana.

A pesar del carácter abiertamente especulativo de sus teorías, la afirmación de Hay de haber comprendido la psicología de la belleza influyó profundamente en la estética de mediados del siglo XIX. Su impacto se vio reforzado por su prestigio profesional como miembro de la Royal Society de Edimburgo y como decorador oficial de interiores de la reina Victoria. Sus obras fueron reeditadas en numerosas ocasiones y traducidas tanto al alemán como al francés. Además, despertaron el interés de destacados intelectuales de la época, entre ellos Adolf Zeising, John Addington Symonds y Thomas Laycock. Sin embargo, sus ideas continuaron siendo complejas y profundamente originales.

El enfoque de Hay sobre la estética visual podía aplicarse por igual a la arquitectura, la teoría del color, las artes decorativas, el rostro humano y el cuerpo. A diferencia de otras teorías contemporáneas que explicaban la belleza a partir de conceptos como lo pintoresco, la mímesis o lo sublime, la propuesta de Hay puede entenderse como una explicación psicológica de la experiencia estética. Las analogías entre la música y las artes visuales no comenzaron con él; sin embargo, su intento de aplicar la teoría musical a un amplio espectro de experiencias visuales incluidos los colores, las formas, las figuras y la arquitectura abrió un camino completamente nuevo.

Mientras que pensadores anteriores, desde Platón hasta Newton, situaban las propiedades musicales en los propios objetos, Hay trabajó dentro de la tradición poskantiana y sostuvo que dichas propiedades eran inherentes a la mente humana, donde estructuran nuestra percepción y hacen posible la experiencia de la belleza.

Hay describía su proyecto como el intento de desarrollar una ciencia estética basada en lo que llamaba «la gran ley armónica de la naturaleza que impregna y gobierna el universo». Según escribió:

«Parece que en la mente humana se ha implantado un principio que gobierna la armonía y que corresponde a las impresiones producidas sobre los órganos sensoriales por determinadas combinaciones, movimientos y proximidades entre los elementos de la materia, impresiones que poseen una naturaleza matemática.»

Para Hay, el placer que experimentamos al escuchar ciertos intervalos consonantes derivados de la serie armónica demostraba que la naturaleza y la humanidad estaban regidas por los mismos principios. Pero iba aún más lejos: sostenía que la proximidad fisiológica entre la vista y el oído implicaba que estas leyes no se limitaban a la música, sino que se extendían también al mundo visual. Como observaba:

«El ojo y el oído difieren en la manera en que reciben las impresiones; sin embargo, los órganos sensoriales forman una unidad, y también es uno el espíritu en el que tales impresiones son percibidas y evaluadas.»

Puesto que tanto la visión como la audición son procesadas por la mente, debían estar gobernadas por principios similares.

A lo largo de sus escritos, Hay vinculó constantemente su afirmación de que existe una única ley natural fundamental que determina la percepción estética con las enseñanzas del filósofo y matemático Pitágoras. Según él:

«Gracias a las enseñanzas de este gran filósofo y de sus discípulos, la ley armónica de la naturaleza fue adoptada y aplicada de manera tan amplia en toda Grecia, con una comprensión de los principios fundamentales de la belleza, que los fragmentos de sus obras siguen siendo considerados ejemplos de la más alta perfección artística jamás alcanzada por la humanidad.»

Hay atribuía la superioridad de los artistas griegos antiguos ya estuvieran diseñando edificios o vasijas a su fidelidad al sistema pitagórico de números armónicos. Si el genio artístico griego era producto de un fenómeno psicológico, entonces debía ser posible combinar los principios pitagóricos con una investigación empírica de la belleza. Al menos, Hay creía firmemente que así era.

Su obra contiene numerosas comparaciones, a veces bastante ingenuas, entre conceptos musicales como los grados de la escala, la inversión de acordes o la melodía y formas visuales como figuras geométricas, ángulos y combinaciones cromáticas.

Por ejemplo, en The Natural Principles and Analogy of the Harmony of Form (1842), estableció una analogía entre el círculo, el triángulo y el cuadrado, y la tónica, la mediante y la dominante (la primera, tercera y quinta notas de una escala que, junto con la repetición de la tónica una octava más alta, forman el acorde más básico: la tríada). Según Hay, estas tres figuras geométricas constituían el equivalente visual de la tríada musical fundamental.

En el primero de sus diagramas, la tríada musical con la nota tónica Do y su repetición una octava más alta— aparece representada mediante una figura compuesta formada por varias formas: un gran círculo (que representa el Do grave), un triángulo mucho más pequeño situado en el centro (que representa la mediante Mi), un cuadrado aún más pequeño (que representa la dominante Sol) y, finalmente, un segundo círculo diminuto dentro del cuadrado que simboliza el Do de la octava superior.

Las dimensiones relativas de estas figuras reflejan las alturas relativas de las notas musicales correspondientes: las notas más graves reciben formas más grandes. Los dos diagramas siguientes muestran las inversiones de la tríada, donde la mediante y posteriormente la dominante pasan a ocupar la posición más grave. Las figuras geométricas asociadas a estas notas también experimentan una especie de «inversión» espacial, modificando tanto su posición como su tamaño para reflejar los cambios en la altura de los sonidos.

El empleo de estas formas fundamentales permitió a Hay desarrollar un nuevo método para analizar estructuras arquitectónicas complejas, descomponiéndolas en sus componentes más simples. Cuando estos elementos básicos se superponen, generan una armonía; cuando se disponen en secuencia, forman una melodía.

Las armonías o melodías resultantes pueden evaluarse según la simplicidad y regularidad de sus proporciones: cuanto más bello es un objeto, más armonioso será. Con este propósito, Hay identificó la estructura que consideraba «la producción armónica más perfecta existente en la arquitectura»: el Partenón de la Acrópolis de Atenas.

Las obras más maduras de Hay aplicaron la teoría musical no a las formas, los contornos o los colores, sino a los ángulos. En The Science of Beauty, as Developed in Nature and Applied in Art (1856), comienza examinando el misticismo numérico pitagórico que utiliza para generar una serie compuesta por cuatro escalas. Las relaciones proporcionales contenidas en estas escalas corresponden a sistemas de «afinación justa» (just intonation), que Hay emplea para clasificar diversos tipos de ángulos. Según él, estas relaciones constituyen «los elementos simples de la ciencia de la armonía que impregna el universo, y los diversos tipos de belleza que se reflejan estéticamente en los sentidos de la vista y el oído están gobernados por dicha armonía». En otras palabras, Hay vincula la sensación subjetiva de belleza estética al efecto que ciertas proporciones simples ejercen sobre los sentidos de la vista y el oído, relacionándolo posteriormente con una concepción más amplia de armonía cósmica.

Esta ambiciosa sistematización alcanza nuevas cotas cuando Hay vuelve a examinar el Partenón y ofrece un análisis renovado de la estructura. Sostiene que las proporciones específicas de sus ángulos pueden compararse con las relaciones presentes en las escalas musicales, ya que todos los ángulos del edificio definidos mediante los factores simples 2, 3, 5, 7 y 9, correspondientes a ángulos de 45°, 30°, 18°, 12,85° y 10° pueden entenderse como subdivisiones de un ángulo recto de 90 grados. De este modo, identifica ángulos equivalentes a la tríada fundamental de la música: la tónica (primer grado de la escala), la dominante (quinto grado) y la mediante (tercer grado), además de la subtónica (séptimo grado) y la supertónica (segundo grado).

En otras palabras, el edificio, entendido como una forma visual, y la escala musical, entendida como una estructura sonora, son interpretados como disposiciones análogas basadas en proporciones armónicas.

Posteriormente, Hay intenta demostrar su teorema mediante el análisis de vasos griegos, ornamentaciones de columnas, esquemas cromáticos y rostros y figuras idealizadas.

Su conclusión fundamental es que los nueve ángulos que determinan la forma del pórtico del Partenón también definen las proporciones de la figura femenina ideal. Comparando las medidas de esculturas griegas antiguas con las dimensiones empíricas de seis modelos femeninas empleadas por la Academia Escocesa de Arte, Hay argumenta que sus resultados confirman las afirmaciones de Vitruvio según las cuales la arquitectura griega antigua estaba basada en las proporciones del cuerpo humano. En este contexto, la llamada «mirada masculina» se extiende desde los cuerpos femeninos hasta los monumentos de la Antigüedad, evaluando ambos según los mismos criterios proporcionales.

El intento de Hay de expresar las propiedades abstractas de la estética visual mediante el lenguaje de la música no siempre resulta convincente. Incluso cuando sus argumentos se comprenden algo difícil incluso para quienes están familiarizados con las complejidades de la teoría musical suelen parecer extraños y altamente especulativos. Sin embargo, sus ideas poseen un atractivo singular. Hay algo profundamente fascinante en su esfuerzo por utilizar la teoría musical para abrir nuevas formas de aproximarse a las formas visuales.

La célebre metáfora, habitualmente atribuida a Schelling, según la cual la arquitectura es música congelada en el tiempo, puede interpretarse también a la luz del proyecto intelectual de Hay. Para él, contemplar la belleza ya se manifestara en un edificio, una vasija, una combinación de colores o incluso en la anatomía humana significaba experimentar la música geométricamente ordenada de los cuerpos celestes, una idea heredada directamente de la tradición pitagórica.

Fuente: https://observatory.wiki/How_Music_Theory_Shaped_19th-Century_Ideas_About_Beauty_and_Visual_Art